奢侈品牌之间的个性消弭或是必然
作者 | Drizzie
明星创意总监Jonathan Anderson离职Loewe的传闻昨日得到确认。
这对于早已沉浸在时尚行业漫天传言的观众而言，不是什么大新闻。然而，Jonathan Anderson确认离职时在个人社交媒体发布的一段话却耐人寻味，引起了我的注意。
他说，从在Loewe的第一天起，他就憧憬着可以创造一个文化型品牌。这个想法依赖于众多艺术家、工匠、基金会、博物馆和画廊的信任与慷慨支持。
他还表示，他最引以为豪的成就就是创立了Loewe The Craft Prize罗意威基金会工艺奖。他们创造了一个支持即将消失的工艺品、年轻工匠、工艺大师和新创意的平台，并借此机会由衷感谢基金会团队、评审会和专家成员。
关于在过往11年内，如何为Loewe塑造独特的时装风格，Jonathan Anderson却并没有过多着墨。他表达了被一群拥有想象力和技能的设计工艺团队围绕，得以实现其颇具野心的创意，是一种幸运，也强调品牌建设并非首秀和头一年的表现就可以定论，而是经由一季又一季不断做对的事情形成的积累。
这似乎不是一个创意总监的离职，更像是一个策展人向公众讲述策展理念，为一场长达11年的展览闭幕所撰写的迷你手记。
去年5月，Loewe在上海举办的《Crafted World：匠艺天地》展览达到了史无前例的成功，展览全权由Jonathan Anderson策展。在去年五一期间全国线下客流和体验式经济的升温，这场Loewe展览成为现象级展览，罕见地同时收获业界高度口碑和大众市场认可。
Loewe在上海举办的品牌首个展览《Crafted World：匠艺天地》
作为品牌1846年成立以来的首个大型展览，要用一个有限的物理空间，完成一次与公众的密集交流，提纲挈领地向不少甚至是首次认识Loewe的公众介绍这个品牌，完成信息差的补齐，这对于Jonathan Anderson的策展能力是一次巨大的考验。
展览囊括的众多主题中，有的浅显如看似最微不足道但困扰人们许久的基础问题——品牌名称读法，有的深入如荣获Loewe罗意威基金会工艺奖的艺术家作品，展览没有通篇冗长地依据时间线烘托品牌的悠久历史，也没有自恋地将Jonathan Anderson过往经典作品冗长堆砌，而是将品牌档案、当今作品与工艺，乃至更多由联名IP散发的想象世界比例得当地糅合在一起，让Loewe第一次在中国观众面前成为了一个面目清晰的品牌世界，而不只是小红书上的几个爆款手袋。
彼时到场参加开幕的Jonathan Anderson，看起来情绪昂扬，对自己的策展作品感到满意。事实上，在疫情期间，Jonathan Anderson的策展已经得到了一次淋漓尽致地发挥。时装秀未能举办的客观限制，反而激发了Jonathan Anderson的灵感，给他极大的创作动力，开启“箱中秀场”、“墙上秀场”、“书中秀场”、“衣上秀场”和“报中秀场”等一系列趣味美学的创意策划，以一系列微型展览引发市场讨论。
Loewe 2021春夏女装系列的 “墙上秀场”
回看Jonathan Anderson在Loewe的11年，或许可以分为三个阶段。
第一阶段，即2013年刚上任后从时装创意到文化出版物的品牌全面改造，开创创意总监推动品牌华丽转身的行业模板，到第二阶段，随着行业对此模板普遍借鉴，Loewe则投入到2016年推出的基金会工艺奖的建设中，强化学术性和专业性，而在大众市场暂时低迷，再到第三阶段，以疫情为转折点，Loewe策展创意迸发，影响力开始渗透到大众市场，品牌势能突然走高。
Jonathan Anderson重新定义了奢侈品牌创意总监的含义。
在第一阶段，Jonathan Anderson把品牌救世主的角色引入了创意总监。不只是像Tom Ford时期的创意总监那样靠非凡时装风格来拯救奢侈品牌，而是通过包含了品牌视觉形象、出版物媒介等多层次的品牌革新，实现品牌重塑。这种如今已经过分常见的重塑“套路”，实际上就源于当年兼具时装和商业嗅觉的天才Jonathan Anderson。
Loewe 2016年推出的相片集《Past Present Future》体现了品牌独树一帜的出版物策略
第二阶段，Jonathan Anderson带领的Loewe在奢侈品牌原有的组织架构上增设基金会工艺奖，以工艺之名联通了Loewe的历史与当下。这意味着他不只是创意的总监，还跳出设计师的既定舒适区，与工匠、艺术家、专家、美术馆、文化机构等建立联系。
其他历史悠久的奢侈品牌如卡地亚、LV、Prada等品牌所有者也往往设立基金会，并与品牌保持独立。1988年设立的罗意威基金会原本在家族第五代传人Sheila Loewe的管理下与品牌主营业务彼此独立，支持诗歌和舞蹈艺术，但由于2016年由Jonathan Anderson牵头设立基金会工艺奖，它真正开始服务于Loewe的核心文化，且与品牌日常运营产生了更加密切的关联。
Jonathan Anderson在2016年推动设立Loewe The Craft Prize罗意威基金会工艺奖
第三阶段，在完成首场大展后，Jonathan Anderson真实地呈现向策展人的蜕变，成为里程碑式的品牌建设者，而不是可替换的创意插件，最终功成身退。
这意味着作为创意总监的Jonathan Anderson，若被置于艺术系统中，并非人们将时装设计师常常类比的艺术家。他过去11年在Loewe的成果，与其说是单纯作为艺术家撬动的改变，更准确地看，是作为艺术策展人所具备的综合统筹实力。他的风格固然具有识别度，但其横跨了实验性、解构主义、手工艺、当代艺术的创作很难用一种风格所概括。
这背后是，其主要成就远超出产品和风格的创造，而体现在其究竟团结了多少资源，确保他们一致地展现出自己为Loewe规划的创意愿景。
Jonathan Anderson在Loewe展现了策展人所具备的综合统筹实力
艺术家往往不涉足组织管理事宜，专心于个人创作，但策展人需要投入到资源整合中去，思考如何挑选艺术家、设计团队及合作对象，服务于策展主题和叙事线的宏观问题，确保整体呈现出品牌应该呈现的面貌。
实际上，如今奢侈品牌与当代艺术行业的相似度越来越高。频繁的创意总监洗牌，让奢侈品牌成为了明星设计师短暂驻留的场所，使其更像是承销热门艺术家作品的画廊主。而明星创意总监将自己的突出风格盖过品牌文化遗产，带着自己的忠实粉丝穿梭于职业生涯的动荡中。比起抽象而遥远的品牌遗产，年轻一代消费者越来越“认”设计师，从为品牌买单到为设计师买单的转变后，奢侈品牌的面貌正一步步模糊化。
在刚刚过去的一周，开云集团的最新任命决定在时尚行业炸开了锅。
十年老将Demna从巴黎世家被调任到集团最大规模的核心品牌Gucci担任创意总监。Demna的反主流审美，在过去十年与巴黎世家经典时装的激烈磨合后，如今又将来到另一个试图将自己打造成为经典传统奢华品牌的Gucci，未来的排异反应究竟如何展开令人难以想象。
Demna在巴黎世家的公认巅峰表现是2023夏季系列
按照这个逻辑，如果工作出色的创意总监就可以得到轮岗晋升的机会，成为头部创意岗位的管培生，唯成绩论，而不去管创意总监与品牌风格的适配，那么每个品牌与创意总监之间的适配已经不是问题。在这样的机制下，考验创意总监的是根据主题的策展能力，这是一种客观的能力，并不关乎风格的天然适配。
奢侈品牌变成了代理明星设计师的机构，人才成为了核心资产，而不是品牌。
他们在任时期思考的，是如何整合顶尖模特、摄影师、化妆师、造型师等团队，供应链资源（如稀有面料、工匠工坊），明星、KOL、社交媒体等传播资源，以及商业团队，确保产品符合市场需求并推动销量。这就像是策展人思考如何整合艺术家、学者、赞助商、媒体，如何处理运输、装裱、布展等专业团队，如何设计场地、灯光、空间设计及观众互动手段。
当代商业市场信息繁杂，消费者喜好快速变化，仅凭鲜明风格已难持续吸引目光。作为艺术家，难逃被选择的命运，而个人风格明显的设计师亦很难在行业常青。但是策展型的创意总监为品牌创造愿景，带来观点，且能够落地整合资源。
总的来说，在奢侈品牌追求规模化商业增长的前提下，创作者的个人风格最终会遭遇上限，而无法实现将品牌持续推向更广泛的受众这一目的。因此，个人风格必须加上资源整合能力，才能够满足当代奢侈品行业对创意总监的需求，这也是Jonathan Anderson所体现出来的技能组合。
换言之，个人风格依然是创意总监和策展人的核心资产，但在当下市场环境中，风格本身更像是一个“起点”，决定了他们吸引到的资源圈层。个人风格越鲜明，越能聚集具有相同创意愿景的摄影师、造型师、名人，进而形成独特的品牌话语权。
眼下无论是奢侈品牌还是艺术展览，都愈发强调“大叙事”，注重叙事性和文化共鸣，需要整合时尚、历史、社会、科技、名人效应等多种元素，而策展者的综合调度，往往决定了最终的传播广度和影响力。
创意总监需要吸引资源圈层，例如与艺术家Daniel Arsham、Kaws等合作的Dior前任男装创意总监Kim Jones
同时有必要指出的是，奢侈品牌如今面对的受众更像是作品的收藏家，而不是消费者。他们将奢侈品视为另类投资品，越涨价越激动，而越来越少将其视为以供消遣的消费品。少数几个保值度最高的品牌获得追捧，而更多原本依赖于多样性风格的品牌，妥协于愈发同质化的产品趋势，使品牌个性模糊，不断流失客户。在一级市场之外，二级市场支撑着个别头部奢侈品不断高涨的价格，时尚博主、代购和造型师都成为了为藏家提供投资建议的艺术顾问。
大型奢侈品牌如今也效仿艺术系统，将自身视为机构型角色，弱化商业性，几乎不计代价地供养叫好不叫座的学术性设计师，如Nicolas Ghesquière，以旅行精神为哲学命题为LV搭建女装创意的最高愿景。又如Prada，虽然一度被视为低质量奢侈品和奥莱品牌的代名词，却在近十年的转型中，将自身提升为艺术和学术交流的平台，关注范围甚至涉及到海洋环境、脑科学等，成为了行业内坚持独立性和公共性的标杆。
但是慷慨投资的背后，实际上是奢侈品牌如今像美术馆一样，其社交媒体时代的热闹景观让任何人都有机会一睹。这是因为它们在基本的门票收入之外推出了诸多创收的商业模式，例如出售周边产品（奢侈品的入门单品和LV现金奶牛老花产品），成立基金会，引入大量合作方、赞助商和媒体，进行版权运营等。LV近年来先后与艺术家村上隆和草间弥生的合作，也是例证。
曾几何时，奢侈品牌之间的差异多体现在产品设计、风格定位与商业策略上，然而如今在奢侈品牌的品牌资产持续波动和颠覆的环境下，则成为基础设施，其差异性越来越多地体现在其掌握的人才资产上，而非品牌的先天特征。
现在的情况是，如果创意人才不能通过自己的观点将品牌档案中的经典符号进行表达和策展，这些符号也会逐步失去影响力。如果经典品牌不能在新一代创意总监手中重获新生，其纸面上的品牌价值就不能被兑现。而明星设计师的个人号召力如何沉淀为奢侈品集团能够长期掌握的虚拟资产，以及究竟如何避免人才资产的高流动性，当下的奢侈品行业还没有给出解答。
LVMH收购的Off-White以失败告终，原因在于它收购的不是Virgil Abloh的永久知识产权，而是已经失去Virgil Abloh精神的空壳品牌Off-White。Virgil Abloh在世时期曾为LV举办过多次以青年为主题的艺术展览，并将自己的时装秀作为鼓励少数族裔和年轻创意群体的平台，彼时已经显露出他作为一个出色策展型创意总监的整合能力。他对时装的理解备受争议，但其作为创意总监的生涯是毫无疑问极其成功的。
Loewe的Jonathan Anderson与Dior不久前离职的前男装创意总监Kim Jones类似，也都胜在作为策展式艺术家的资源整合能力。可惜，两名对品牌整体把控力上乘的创意总监都暂时从LVMH离职，目前还未宣布新任命。
而开云集团那边，则推举出了集团下唯一可能满足上述能力要求的Demna。品牌无疑从个人风格胜过整合能力的Alessandro Michele（早期的《策展米开理》展览曾展现艺术家整合能力），以及稚嫩且技能单一、局限于服装设计的Sabato De Sarno那里获得了经验教训，但是最新的决定仍是一步险棋。
若奢侈品牌之间的个性差异消弭是数字化时代的必然，那么作为基础设施的奢侈品巨头如何对旗下数十个品牌和人才资产进行重新整合，如何开发当代及未来人才资产的长期价值，而不是三五年一个周期的即用即弃，或许是奢侈品行业的新命题。
在众多品牌纷纷效仿LVMH做加法收购品牌时，这个奢侈品巨头近80个品牌的存在主义危机其实早已开始。
奢侈品牌之间的个性消弭或是必然
作者 | Drizzie
明星创意总监Jonathan Anderson离职Loewe的传闻昨日得到确认。
这对于早已沉浸在时尚行业漫天传言的观众而言，不是什么大新闻。然而，Jonathan Anderson确认离职时在个人社交媒体发布的一段话却耐人寻味，引起了我的注意。
他说，从在Loewe的第一天起，他就憧憬着可以创造一个文化型品牌。这个想法依赖于众多艺术家、工匠、基金会、博物馆和画廊的信任与慷慨支持。
他还表示，他最引以为豪的成就就是创立了Loewe The Craft Prize罗意威基金会工艺奖。他们创造了一个支持即将消失的工艺品、年轻工匠、工艺大师和新创意的平台，并借此机会由衷感谢基金会团队、评审会和专家成员。
关于在过往11年内，如何为Loewe塑造独特的时装风格，Jonathan Anderson却并没有过多着墨。他表达了被一群拥有想象力和技能的设计工艺团队围绕，得以实现其颇具野心的创意，是一种幸运，也强调品牌建设并非首秀和头一年的表现就可以定论，而是经由一季又一季不断做对的事情形成的积累。
这似乎不是一个创意总监的离职，更像是一个策展人向公众讲述策展理念，为一场长达11年的展览闭幕所撰写的迷你手记。
去年5月，Loewe在上海举办的《Crafted World：匠艺天地》展览达到了史无前例的成功，展览全权由Jonathan Anderson策展。在去年五一期间全国线下客流和体验式经济的升温，这场Loewe展览成为现象级展览，罕见地同时收获业界高度口碑和大众市场认可。
Loewe在上海举办的品牌首个展览《Crafted World：匠艺天地》
作为品牌1846年成立以来的首个大型展览，要用一个有限的物理空间，完成一次与公众的密集交流，提纲挈领地向不少甚至是首次认识Loewe的公众介绍这个品牌，完成信息差的补齐，这对于Jonathan Anderson的策展能力是一次巨大的考验。
展览囊括的众多主题中，有的浅显如看似最微不足道但困扰人们许久的基础问题——品牌名称读法，有的深入如荣获Loewe罗意威基金会工艺奖的艺术家作品，展览没有通篇冗长地依据时间线烘托品牌的悠久历史，也没有自恋地将Jonathan Anderson过往经典作品冗长堆砌，而是将品牌档案、当今作品与工艺，乃至更多由联名IP散发的想象世界比例得当地糅合在一起，让Loewe第一次在中国观众面前成为了一个面目清晰的品牌世界，而不只是小红书上的几个爆款手袋。
彼时到场参加开幕的Jonathan Anderson，看起来情绪昂扬，对自己的策展作品感到满意。事实上，在疫情期间，Jonathan Anderson的策展已经得到了一次淋漓尽致地发挥。时装秀未能举办的客观限制，反而激发了Jonathan Anderson的灵感，给他极大的创作动力，开启“箱中秀场”、“墙上秀场”、“书中秀场”、“衣上秀场”和“报中秀场”等一系列趣味美学的创意策划，以一系列微型展览引发市场讨论。
Loewe 2021春夏女装系列的 “墙上秀场”
回看Jonathan Anderson在Loewe的11年，或许可以分为三个阶段。
第一阶段，即2013年刚上任后从时装创意到文化出版物的品牌全面改造，开创创意总监推动品牌华丽转身的行业模板，到第二阶段，随着行业对此模板普遍借鉴，Loewe则投入到2016年推出的基金会工艺奖的建设中，强化学术性和专业性，而在大众市场暂时低迷，再到第三阶段，以疫情为转折点，Loewe策展创意迸发，影响力开始渗透到大众市场，品牌势能突然走高。
Jonathan Anderson重新定义了奢侈品牌创意总监的含义。
在第一阶段，Jonathan Anderson把品牌救世主的角色引入了创意总监。不只是像Tom Ford时期的创意总监那样靠非凡时装风格来拯救奢侈品牌，而是通过包含了品牌视觉形象、出版物媒介等多层次的品牌革新，实现品牌重塑。这种如今已经过分常见的重塑“套路”，实际上就源于当年兼具时装和商业嗅觉的天才Jonathan Anderson。
Loewe 2016年推出的相片集《Past Present Future》体现了品牌独树一帜的出版物策略
第二阶段，Jonathan Anderson带领的Loewe在奢侈品牌原有的组织架构上增设基金会工艺奖，以工艺之名联通了Loewe的历史与当下。这意味着他不只是创意的总监，还跳出设计师的既定舒适区，与工匠、艺术家、专家、美术馆、文化机构等建立联系。
其他历史悠久的奢侈品牌如卡地亚、LV、Prada等品牌所有者也往往设立基金会，并与品牌保持独立。1988年设立的罗意威基金会原本在家族第五代传人Sheila Loewe的管理下与品牌主营业务彼此独立，支持诗歌和舞蹈艺术，但由于2016年由Jonathan Anderson牵头设立基金会工艺奖，它真正开始服务于Loewe的核心文化，且与品牌日常运营产生了更加密切的关联。
Jonathan Anderson在2016年推动设立Loewe The Craft Prize罗意威基金会工艺奖
第三阶段，在完成首场大展后，Jonathan Anderson真实地呈现向策展人的蜕变，成为里程碑式的品牌建设者，而不是可替换的创意插件，最终功成身退。
这意味着作为创意总监的Jonathan Anderson，若被置于艺术系统中，并非人们将时装设计师常常类比的艺术家。他过去11年在Loewe的成果，与其说是单纯作为艺术家撬动的改变，更准确地看，是作为艺术策展人所具备的综合统筹实力。他的风格固然具有识别度，但其横跨了实验性、解构主义、手工艺、当代艺术的创作很难用一种风格所概括。
这背后是，其主要成就远超出产品和风格的创造，而体现在其究竟团结了多少资源，确保他们一致地展现出自己为Loewe规划的创意愿景。
Jonathan Anderson在Loewe展现了策展人所具备的综合统筹实力
艺术家往往不涉足组织管理事宜，专心于个人创作，但策展人需要投入到资源整合中去，思考如何挑选艺术家、设计团队及合作对象，服务于策展主题和叙事线的宏观问题，确保整体呈现出品牌应该呈现的面貌。
实际上，如今奢侈品牌与当代艺术行业的相似度越来越高。频繁的创意总监洗牌，让奢侈品牌成为了明星设计师短暂驻留的场所，使其更像是承销热门艺术家作品的画廊主。而明星创意总监将自己的突出风格盖过品牌文化遗产，带着自己的忠实粉丝穿梭于职业生涯的动荡中。比起抽象而遥远的品牌遗产，年轻一代消费者越来越“认”设计师，从为品牌买单到为设计师买单的转变后，奢侈品牌的面貌正一步步模糊化。
在刚刚过去的一周，开云集团的最新任命决定在时尚行业炸开了锅。
十年老将Demna从巴黎世家被调任到集团最大规模的核心品牌Gucci担任创意总监。Demna的反主流审美，在过去十年与巴黎世家经典时装的激烈磨合后，如今又将来到另一个试图将自己打造成为经典传统奢华品牌的Gucci，未来的排异反应究竟如何展开令人难以想象。
Demna在巴黎世家的公认巅峰表现是2023夏季系列
按照这个逻辑，如果工作出色的创意总监就可以得到轮岗晋升的机会，成为头部创意岗位的管培生，唯成绩论，而不去管创意总监与品牌风格的适配，那么每个品牌与创意总监之间的适配已经不是问题。在这样的机制下，考验创意总监的是根据主题的策展能力，这是一种客观的能力，并不关乎风格的天然适配。
奢侈品牌变成了代理明星设计师的机构，人才成为了核心资产，而不是品牌。
他们在任时期思考的，是如何整合顶尖模特、摄影师、化妆师、造型师等团队，供应链资源（如稀有面料、工匠工坊），明星、KOL、社交媒体等传播资源，以及商业团队，确保产品符合市场需求并推动销量。这就像是策展人思考如何整合艺术家、学者、赞助商、媒体，如何处理运输、装裱、布展等专业团队，如何设计场地、灯光、空间设计及观众互动手段。
当代商业市场信息繁杂，消费者喜好快速变化，仅凭鲜明风格已难持续吸引目光。作为艺术家，难逃被选择的命运，而个人风格明显的设计师亦很难在行业常青。但是策展型的创意总监为品牌创造愿景，带来观点，且能够落地整合资源。
总的来说，在奢侈品牌追求规模化商业增长的前提下，创作者的个人风格最终会遭遇上限，而无法实现将品牌持续推向更广泛的受众这一目的。因此，个人风格必须加上资源整合能力，才能够满足当代奢侈品行业对创意总监的需求，这也是Jonathan Anderson所体现出来的技能组合。
换言之，个人风格依然是创意总监和策展人的核心资产，但在当下市场环境中，风格本身更像是一个“起点”，决定了他们吸引到的资源圈层。个人风格越鲜明，越能聚集具有相同创意愿景的摄影师、造型师、名人，进而形成独特的品牌话语权。
眼下无论是奢侈品牌还是艺术展览，都愈发强调“大叙事”，注重叙事性和文化共鸣，需要整合时尚、历史、社会、科技、名人效应等多种元素，而策展者的综合调度，往往决定了最终的传播广度和影响力。
创意总监需要吸引资源圈层，例如与艺术家Daniel Arsham、Kaws等合作的Dior前任男装创意总监Kim Jones
同时有必要指出的是，奢侈品牌如今面对的受众更像是作品的收藏家，而不是消费者。他们将奢侈品视为另类投资品，越涨价越激动，而越来越少将其视为以供消遣的消费品。少数几个保值度最高的品牌获得追捧，而更多原本依赖于多样性风格的品牌，妥协于愈发同质化的产品趋势，使品牌个性模糊，不断流失客户。在一级市场之外，二级市场支撑着个别头部奢侈品不断高涨的价格，时尚博主、代购和造型师都成为了为藏家提供投资建议的艺术顾问。
大型奢侈品牌如今也效仿艺术系统，将自身视为机构型角色，弱化商业性，几乎不计代价地供养叫好不叫座的学术性设计师，如Nicolas Ghesquière，以旅行精神为哲学命题为LV搭建女装创意的最高愿景。又如Prada，虽然一度被视为低质量奢侈品和奥莱品牌的代名词，却在近十年的转型中，将自身提升为艺术和学术交流的平台，关注范围甚至涉及到海洋环境、脑科学等，成为了行业内坚持独立性和公共性的标杆。
但是慷慨投资的背后，实际上是奢侈品牌如今像美术馆一样，其社交媒体时代的热闹景观让任何人都有机会一睹。这是因为它们在基本的门票收入之外推出了诸多创收的商业模式，例如出售周边产品（奢侈品的入门单品和LV现金奶牛老花产品），成立基金会，引入大量合作方、赞助商和媒体，进行版权运营等。LV近年来先后与艺术家村上隆和草间弥生的合作，也是例证。
曾几何时，奢侈品牌之间的差异多体现在产品设计、风格定位与商业策略上，然而如今在奢侈品牌的品牌资产持续波动和颠覆的环境下，则成为基础设施，其差异性越来越多地体现在其掌握的人才资产上，而非品牌的先天特征。
现在的情况是，如果创意人才不能通过自己的观点将品牌档案中的经典符号进行表达和策展，这些符号也会逐步失去影响力。如果经典品牌不能在新一代创意总监手中重获新生，其纸面上的品牌价值就不能被兑现。而明星设计师的个人号召力如何沉淀为奢侈品集团能够长期掌握的虚拟资产，以及究竟如何避免人才资产的高流动性，当下的奢侈品行业还没有给出解答。
LVMH收购的Off-White以失败告终，原因在于它收购的不是Virgil Abloh的永久知识产权，而是已经失去Virgil Abloh精神的空壳品牌Off-White。Virgil Abloh在世时期曾为LV举办过多次以青年为主题的艺术展览，并将自己的时装秀作为鼓励少数族裔和年轻创意群体的平台，彼时已经显露出他作为一个出色策展型创意总监的整合能力。他对时装的理解备受争议，但其作为创意总监的生涯是毫无疑问极其成功的。
Loewe的Jonathan Anderson与Dior不久前离职的前男装创意总监Kim Jones类似，也都胜在作为策展式艺术家的资源整合能力。可惜，两名对品牌整体把控力上乘的创意总监都暂时从LVMH离职，目前还未宣布新任命。
而开云集团那边，则推举出了集团下唯一可能满足上述能力要求的Demna。品牌无疑从个人风格胜过整合能力的Alessandro Michele（早期的《策展米开理》展览曾展现艺术家整合能力），以及稚嫩且技能单一、局限于服装设计的Sabato De Sarno那里获得了经验教训，但是最新的决定仍是一步险棋。
若奢侈品牌之间的个性差异消弭是数字化时代的必然，那么作为基础设施的奢侈品巨头如何对旗下数十个品牌和人才资产进行重新整合，如何开发当代及未来人才资产的长期价值，而不是三五年一个周期的即用即弃，或许是奢侈品行业的新命题。
在众多品牌纷纷效仿LVMH做加法收购品牌时，这个奢侈品巨头近80个品牌的存在主义危机其实早已开始。
